Meine Philosophie & Methode

Wahres Lernen braucht keine Strenge, sondern Vertrauen. Mein Unterricht basiert auf absoluter Offenheit und gegenseitigem Respekt. Ich begegne jedem Schüler – ob Kind, Student oder Erwachsener – auf Augenhöhe. Wir müssen uns nicht verstellen. Ich sehe mich als dein strategischer Partner, der dir hilft, deine Ziele zu erreichen.

1. Die Basis: Ehrlichkeit vor Perfektion
Es muss nicht jede Woche alles perfekt laufen. Viel wichtiger ist mir, dass wir offen sprechen. Wenn du nicht geübt hast, ist das kein Grund für Ärger oder Bestrafung – das bringt uns nicht weiter. Stattdessen suchen wir gemeinsam nach der Ursache: Fehlt die Zeit? Gibt es Sorgen? Wir lösen das Problem an der Wurzel. Diese Transparenz ist das Fundament unserer Zusammenarbeit. Im Gegenzug wünsche ich mir bei festen Absprachen, etwa vor Konzerten, absolute Verlässlichkeit.

2. Das Mindset: Glaube an das Potenzial
Wenn der Satz „Das kann ich nicht“ fällt, frage ich: „Warum glaubst du das?“ Meist sind es nur Blockaden. Mich persönlich hat immer eine logische Kette motiviert: „Warum sollte ich das nicht auch können? Ich habe zwei gesunde Hände, einen wachen Verstand und gute Unterstützung. Wenn ich genügend Zeit, Geduld und Disziplin investiere, ist alles möglich.“ Genau diese Haltung vermittle ich dir. Was noch nicht klappt, dem begegnen wir nicht mit Zweifel, sondern mit analytischer Lösungssuche. Wir lernen, den Weg des Lernens genauso zu genießen wie das Ankommen – denn nach dem erreichten Ziel wartet ja schon das nächste.

3. Kreativität entfalten
Musik ist der schönste Ort, um Kreativität (wieder) zu entdecken. Wir leben sie vor allem durch die Interpretation aus: Welche Gefühle wollen wir ausdrücken? Welchen Charakter hat das Stück? Welche inneren Bilder passen dazu und wie setzen wir das technisch um? Oft entstehen dabei kleine Geschichten oder Gedankenschnipsel, die unseren Ausdruck schärfen. Auch das gemeinsame Komponieren nutzen wir gezielt, um den Kopf freizubekommen oder neue Inspiration zu finden. Und ganz wichtig: Wir dürfen auch mal stagnieren. Es gibt Phasen, in denen wir einfach nur spielen – ohne den Zwang, besser zu werden. Nur um zu genießen und die Batterien aufzuladen. Denn genau dafür – für die Liebe zur Musik – üben wir ja.

4. Ein starkes Team: Das Umfeld
Ein unterstützendes Umfeld ist oft der Schlüssel zum Erfolg.

Für Eltern: Ich binde Sie aktiv ein und biete mit meinem Elternbrief [Download] konkrete Hilfen. Oft sind es kleine Impulse, die helfen: Wenn die Gitarre griffbereit im Ständer steht und „sichtbar“ ist, wird das Üben so selbstverständlich wie das Zähneputzen.

Für alle: In meiner Klasse herrscht eine Atmosphäre, in der sich Schüler gegenseitig mit ihrer Musik motivieren und anspornen. Wir schaffen ein Umfeld, das dich trägt.

Ist Sicherheit auf der Bühne eine Frage des Talents? Viele glauben, man müsse für die Bühne geboren sein. Doch wahre Sicherheit ist kein genetisches Geschenk, sondern das Ergebnis einer dreifachen Absicherung. Dabei gilt: Wir kämpfen nicht gegen das Lampenfieber, wir nutzen es. Das Adrenalin dient uns als „Fokus-Booster“, um wacher und präsenter zu sein als im Übezimmer. Mein Ziel ist es, durch klare Strategien die Angst zu nehmen, damit du den Auftritt nicht als Prüfung, sondern als Geschenk an das Publikum erlebst.

1. Das dreifache Sicherheitsnetz
Damit du dich zu 100 % sicher fühlst, bauen wir deine Vorbereitung auf drei Pfeilern auf. Fällt einer aus, greift der nächste:

Der Kopf (Mentales Üben): Wir durchdringen das Werk intellektuell so tief, dass du nicht allein auf das „Gefühl“ der Finger angewiesen bist. Du weißt jederzeit genau, wo du bist. Das konkrete Handwerk dazu (wie die „Metronom-Brücke“ und das langsame Visualisieren) lernst du im Detail in der Säule „Kunst des Übens“. Hier zählt das Ergebnis: Ein glasklarer Kopf, der auch bei Aufregung die Orientierung behält.

Der Körper (Muskelgedächtnis): Viele verlassen sich nur hierauf – wir machen es besser. Durch fleißiges Wiederholen prägen sich Bewegungen ein. Doch inspiriert von Marcin Dylla nutzen wir den ganzen Körper: Zusätzliche Bewegungen (z.B. ein Einleiten mit Schwung) dienen als weitere „Anker“ und auch als Interpretationshilfe. Je mehr Körperbeteiligung, desto stabiler ist der Speicher und desto überzeugender der Vortrag.

Der Rettungsanker (Improvisation): Sollten Kopf und Muskelgedächtnis kurzzeitig ausfallen, lernst du einfache Improvisations-Methoden (Notlösungen), um die Lücke musikalisch zu überbrücken und wieder in den Fluss zu finden.

2. Die Bühnen-Choreografie: Nichts dem Zufall überlassen Unsicherheit entsteht oft durch Ungeklärtes. Deshalb planen wir nicht nur die Musik, sondern den gesamten Auftritt: Wo läufst du lang? Wie hältst du das Instrument? Wie verbeugst du dich? Gehst du vor oder hinter dem Notenständer entlang? Wir üben den Blick ins Publikum (statt auf den Boden) und das Lächeln. Wir verändern dein Mindset: Du gehst nicht raus, um bewertet zu werden, sondern weil du deine Musik liebst und sie mit den Menschen teilen willst.

3. Simulation, Planung & Ruhe
Die beste Vorbereitung nützt nichts, wenn die Umstände nicht stimmen.

Vorspiel-Training: Wir simulieren die Drucksituation im Unterricht und organisieren kleine Vorspiele (vor Freunden, Schülern), um das Nervensystem an die Beobachtung zu gewöhnen.

Programm-Dramaturgie: Wir schonen deine Ressourcen durch eine kluge Reihenfolge. Statt alle schweren Stücke zu häufen, starten wir oft mit einem „Sicherheitsstück“, das du liebst und gut kannst, um auf der Bühne anzukommen.

Beruhigung & Meditation: Techniken wie die tiefe Bauchatmung oder Meditation helfen dir nicht nur auf der Bühne, sondern stärken auch dein Selbstvertrauen im Alltag.

4. Das Ergebnis: Vertrauen
Am Ende zählt der Satz: „Ich habe mich so gut vorbereitet, wie es ging. Jetzt zeige ich mein bestmögliches Jetzt.“  Wer dieses Vertrauen hat, kann in der Musik aufgehen und die Interpretation genießen.

Hörst du den Ton, bevor du ihn spielst? Viele trainieren nur isolierte Fingerbewegungen, doch Musik entsteht zuerst im Kopf. Nur wer eine detaillierte Klangvorstellung (ein „inneres Ohr“) besitzt, kann diese Vision auf das Instrument übertragen. Mein Ziel ist es, deine Wahrnehmung so zu verfeinern, dass sie zum verlässlichen Kompass für dein Spiel wird.

1. Inspiration & Begeisterung
Man kann musikalisch nur das ausdrücken, was man verinnerlicht hat. Deshalb ist das Hören herausragender Interpreten (wie Tariq Harb, Marcin Dylla oder Nathan Mills von „Beyond The Guitar“) fester Bestandteil meines Unterrichts. Ich empfehle dir gezielt Aufnahmen, die zum jeweiligen Stück passen. Diese bereiten dir nicht nur beim Anhören große Freude und Begeisterung, sondern zeigen dir, was möglich ist. Dabei blicken wir über den Tellerrand: Oft liefert eine Geige oder ein Pianist den entscheidenden Impuls für eine Phrasierung.

2. Von der Nachahmung zur Meisterschaft
Darf man Vorbilder nachahmen? Ja – als Mittel zum Zweck! Wenn dir eine Interpretation gefällt, versuchen wir zu verstehen, wie der Künstler das macht. Wir lassen uns von verschiedenen Meistern inspirieren und kombinieren das Beste daraus. Indem du prüfst, was dir am besten liegt, findest du Schritt für Schritt zu deiner eigenen Interpretation und Künstlerpersönlichkeit. Denn es gibt nicht „die eine“ richtige Version – es gibt nur deine.

3. Ein kleines Orchester: Entdecke deine Gitarre und die Klangfarben
Schon Beethoven nannte die Gitarre ein „kleines Orchester“. Wir nutzen den gesamten Klangkörper – aber niemals mechanisch („erste Runde Schalloch, zweite Runde Steg“), sondern immer musikalisch begründet. Wir setzen Klangfarben punktuell und gezielt ein, um Charaktere zu zeichnen und Atmosphären zu schaffen. Ob ein Ton düster, gläsern oder warm klingen soll, entscheidet die Geschichte, die du erzählst. Wusstest du zum Beispiel, dass der weichste Ton exakt in der Mitte der gerade schwingenden Saite entsteht? Dazu nutzen wir Effekte wie Flageoletts, Tambora oder den „Snare-Effekt“ (gekreuzte Basssaiten). Und natürlich beginnt der Klang beim Instrument: Durch meine Tests zahlreicher Meistergitarren (u.a. bei Siccas Guitars, auf Ausstellungen) berate ich dich fundiert, um genau die Gitarre und Saiten zu finden, die zu dir passen.

4. Das Nagelspiel als Klangschlüssel
Ein gut geformter Nagel ist dein wichtigstes Werkzeug. Wir finden die Basis-Form, die perfekt zu deinem Nagelbett passt und deinen gewünschten Grundklang ermöglicht. Wer das beherrscht, bleibt flexibel: Mit Erfahrung kannst du deine Nagelform später sogar variieren, um spezifische Klangideale zu realisieren. Ich spiele zum Beispiel oft eine „Rampe“, die butterweiche und brillante Klänge zugleich erlaubt – alles nur durch minimale Winkeländerung. Falls Naturnägel nicht funktionieren, zeige ich dir professionelle künstliche Alternativen (z. B. mit Tischtennisbällen). Damit du zu Hause sicher bist, erhältst du dazu meine eigenen detaillierten Schritt-für-Schritt-Anleitungen und PDFs.

5. Der direkte Vergleich: Das Prinzip Vormachen & Nachmachen
Wahrnehmung lernt man am besten durch Erleben. Im Unterricht spiele ich Passagen oft vor – nicht zur Demonstration, sondern als akustisches Angebot. Oft wird eine musikalische Idee oder eine technische Bewegung erst klar, wenn man sie im Raum hört und sieht. Dieser direkte Eindruck hilft dir, deine eigene Vorstellung schneller in die Realität umzusetzen und Nuancen zu erfassen, die Notenpapier allein nicht vermitteln kann.